Retratos punitivos del Renacimiento

En la Italia del Renacimiento, pintar un retrato podía ser una forma de castigo: nunca era bueno ser objeto de una pittura infamante, una pintura diseñada para humillar.

Una galería de retratos de malhechores locales, etiquetados con nombres y crímenes, cubría las paredes del Bargello de Florencia, un edificio que primero albergó al podestà, el magistrado principal de la ciudad, y luego a sus prisioneros. Los condenados a menudo eran colgados de las ventanas del mismo edificio, creando una sombría continuidad entre los castigos pintados y las ejecuciones reales.

Como escribe el historiador de arte Samuel Edgerton en “Iconos de la justicia”, estos retratos fueron pintados periódicamente con frescos en el exterior del Bargello. Pero lejos de presentar una escena monótona y taciturna, ofrecían figuras animadas y colores brillantes. De esta manera, el Bargello

Incluso puede haber sido considerada una “iglesia negativa”. Con sus llamativos retratos de pecadores mortales [debió] presentarse ante los ciudadanos florentinos como una especie de templo de los vicios, así como las iglesias ordinarias con sus decoraciones y retratos que mostraban santos y héroes... eran consideradas templos de las virtudes.

¿Qué tuviste que hacer para que tu retrato añadiera al templo de los vicios? En su mayor parte, estos retratos fueron realizados cuando los presuntos delincuentes lograron huir de la ciudad; funcionaban como una especie de castigo en efigie. Pero el crimen podría ser tan prosaico como un préstamo en mora o tan dramático como un intento de golpe.

Los retratos representaban típicamente a hombres de la élite local. La humillación era el castigo perfecto para una clase alta que valoraba la fama o la reputación por encima de casi cualquier otra cosa. La infama (mala reputación) no era sólo una cuestión de chisme; era un estatus legal que podía obstaculizar los negocios y los matrimonios. Ser designado como infame podía incluso tener consecuencias físicas drásticas: el juramento de una persona infame no tenía valor, por lo que si terminaba ante los tribunales, corría el riesgo de ser torturado.

Pocos ejemplos del género sobreviven, ya que los siempre cambiantes vientos de la política en el Renacimiento significaron que una pittura infamante embadurnada un día podía ser blanqueada al día siguiente. Pero sobrevive suficiente documentación para darnos una idea de cómo eran estos retratos. El ejemplo clásico del género muestra al sujeto colgando boca abajo de su tobillo, muy parecido al motivo del Ahorcado en el Tarot. Pero como el objetivo era simplemente humillar, los artistas podían ser creativos. Podrían rodear la figura con una multitud de pequeños demonios o colocar un animal de corral haciendo caca en el escudo de su familia.

Por divertido que parezca, no parece que los artistas estuvieran ansiosos por aceptar estos encargos. Algunos relatos incluso sugieren que a veces hubo que forzarlos. Quizás les preocupaban las represalias si las personas de alto perfil que retrataban alguna vez regresaban al poder. O tal vez se dieron cuenta de que el tema tenía tendencia a contagiarse: un artista de pittura infamante, Andrea del Castagna, nunca escapó de su espantoso apodo: “Andreino de los ahorcados”.

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Aún así, incluso Botticelli pintó una pittura infamante, y Leonardo da Vinci produjo lo que parece ser un boceto preparatorio para una. En otras palabras, los mismos artistas que un día podrían dedicarse a dorar el halo de un santo, o a infundir sabiduría en las arrugas del rostro de un magistrado, podrían encontrarse al día siguiente grabando líneas de traición y engaño en un personaje familiar, ahora deshonrado, rostro. Al fin y al cabo, era importante que esos retratos fueran buenos. La reconocibilidad era un bien escaso ya que los retratos servían como castigo público para las personas que habían evadido el largo brazo de la ley.

Pero incluso más allá de eso, pitture infamanti tenía que enviar un mensaje. Ocuparon su lugar en ciudades donde los héroes militares miraban desde los frescos de las paredes y pequeños altares se alzaban en las esquinas de las calles; tantos que, como sostiene el historiador del arte Fabrizio Nevola, uno podría imaginarlos como una especie de red de supervisión sagrada, recordando a la gente que su cada acto estaba siendo observado por lo Divino. Mientras la rueda de la fortuna giraba, convirtiendo a un noble en duque y a otro en proscrito, estas imágenes permanecían, presentando una parábola inmutable del bien y el mal simples.

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