De Nueva York a Los Ángeles, 6 no

En busca de las exposiciones individuales más interesantes de Estados Unidos cada mes, Galerie viajó desde Nueva York, donde la Galería George Adams presenta los influyentes autorretratos en cerámica y bronce de Robert Arneson y Elise Ansel tiene abstracciones gestuales que hacen referencia a pinturas de viejos maestros en la Galería Miles McEnery, hasta Los Ángeles, donde Hank Willis Thomas hace su debut en Pace Gallery con imágenes referenciales que cambian ante nuestros ojos cuando se muestran con un teléfono inteligente. Estos son los espectáculos imprescindibles de agosto.

Vista de la instalación de "La máquina del tiempo" de Daniel Pitín en Nicodim, Nueva York Foto: Cortesía de Nicodim

Daniel Pitín, Venados, 2023 Foto: Cortesía de Nicodim

Nacido en 1977 en Praga, donde todavía vive y trabaja, el pintor Daniel Pitín hace su debut individual en Nueva York con una nueva serie de pinturas que desdibujan el límite entre la figuración y la abstracción en una atractiva exposición, apropiadamente titulada “La máquina del tiempo”. Conocido por crear personajes ficticios extraídos de películas como Taxi Driver, Goldfinger y Rear Window, ambientadas en ámbitos pictóricos que hacen referencia a la estética del arte modernista, el artista de la República Checa crea su propia narrativa cinematográfica con los catorce lienzos distópicos repartidos por la galería. dos habitaciones.

Al deconstruir fotografías de archivo, escenas de películas e interiores arquitectónicos, Pitín crea pinturas en técnica mixta, donde cajas de cartón encoladas con recortes de periódico reemplazan cabezas y otras partes del cuerpo de personas y animales. Las figuras se convierten en vasijas vacías que atraviesan extraños paisajes y misteriosos interiores urbanos que se representan con pinceladas que capturan el realismo en un minuto y las realidades en deterioro al siguiente. Pinturas como Deers, que captura una serie de bestias de estilo constructivista en el bosque, y Detective, que representa el parecido cuadrado de un hombre sentado en un escritorio, retratan una visión onírica de un mundo congelado en un error digital.

Hasta el 12 de agosto

Vista de la instalación de "Astonishing Possibilities for Self-Expression" de Robert Arneson en la Galería George Adams, Nueva York Foto: Cortesía del patrimonio de Robert Arneson y la Galería George Adams

Robert Arneson, Balderdash-dash, 1978 Foto: Cortesía de George Adams Gallery

Robert Arneson, caricaturista convertido en ceramista, fue uno de los principales miembros del movimiento Funk Art del Área de la Bahía de San Francisco de la década de 1960. Artista fumador de cigarros y profesor, tuvo un impacto duradero en la evolución de la cerámica contemporánea. Considerado durante mucho tiempo sólo como un oficio, el escultor realista ayudó a elevar el medio a la aceptación como arte. Su sorprendente busto de cerámica, Retrato de un artista que pierde los mármoles, se encuentra en la colección del Museo de Arte y Diseño de Nueva York, mientras que otras obras importantes del artista se encuentran en el Museo Whitney, el Museo y jardín de esculturas Hirschhorn y el SFMOMA.

Su exposición “Astonishing Possibilities for Self-Expression” en la galería profundiza en su maravillosamente ingenioso autorretrato a través de una variedad de medios. Los dibujos a tinta de 1964 muestran al artista de entonces 30 y tantos años capturando su imagen reflejada en el papel, mientras que las representaciones a lápiz, pastel y técnicas mixtas de la década de 1980 retratan a un rebelde anciano que aún lucha. Pero son los autorretratos en cerámica y bronce de Arneson, incluido Balderdash-dash de 1978, con su cabeza marrón monocromática y su boca y ojos sorprendentemente realistas, y Cheek besuqueando, que lo encuentra cara a cara en dos versiones de su cabeza, de 1992, el año en que murió, que revelan cómo el jocoso artista empleó el humor para atraerte a la notable artesanía de su arte maravillosamente expresivo.

Hasta el 11 de agosto

Vista de la instalación de "Sea Change" de Elise Ansel en Miles McEnery Gallery, Nueva York Foto: Cortesía de Miles McEnery Gallery

Mejor conocida por sus transformaciones gestuales de pinturas de viejos maestros de célebres artistas masculinos, que han representado a las mujeres de una manera idealizada o sexualmente objetivada, Elise Ansel utiliza el lenguaje pictórico de la abstracción para comunicar un punto de vista equivalente con un toque feminista. . Después de haber exhibido sus interpretaciones improvisadas de fascinantes obras de maestros tan venerados como Rembrandt, Rubens y Vermeer en galerías de todo Estados Unidos y Europa, la artista estadounidense presenta ahora su primera exposición individual, que es su 35ª exposición individual en todo el mundo, con una Nueva serie de abstracciones en la galería.

En la exposición Sea Change, Ansel crea conversaciones pictóricas con lienzos clásicos de Bellini, Tiepolo, Tiziano, Veronés y otros célebres viejos maestros. Comenzando con pequeños estudios, realiza múltiples renovaciones de las obras veneradas, que se convierten en el punto de partida de sus pinturas expresivas más grandes que capturan las figuras y el drama a través de pinceladas audaces y aterciopeladas. Convierte La alegoría de la virtud y el vicio de Paolo Veronese en dos pinturas diferentes llenas de franjas de color que evocan de manera abstracta la teatralidad de la obra maestra de 1565, mientras cambia el guión de Cristo y la adúltera de Tiziano de 1511 al resaltar el derecho de la mujer despreciada al placer a través de un ráfaga de pinceladas vibrantes en su alegre pintura Fire Fangled Feathers.

Hasta el 31 de agosto

Suchitra Mattai, The Unveiling, 2023. Foto: Heather Rasmussen, cortesía de Suchitra Mattai y Robert Projects

Vista de la instalación de "En ausencia de poder, en presencia del amor" de Suchitra Mattai en Roberts Projects, Los Ángeles Foto: Robert Wedemeyer, cortesía de Suchitra Mattai y Roberts Projects

Nacida en Guyana en 1973, educada en la Universidad de Pensilvania en Filadelfia y actualmente viviendo y trabajando en Los Ángeles, Suchitra Mattai es una pintora, escultora y artista de instalaciones de ascendencia indocaribeña. Un maximalista que construye ensamblajes coloridos a partir de objetos encontrados, el artista enormemente talentoso utiliza procesos y materiales artesanales para contar poéticamente historias visuales que abordan el legado del colonialismo y las relaciones entre cultura y género.

Su primera salida en solitario con la galería, “A falta de poder. En presencia del amor” es también su exposición individual más grande y completa hasta la fecha. Al exhibir pinturas de técnicas mixtas, tapices tejidos con saris tradicionales e instalaciones de esculturas suaves, Mattai transforma el espacio de la caja blanca de la enorme galería en lo que ella llama una “recuperación marrón”, donde ha reelaborado imágenes originales para transmitir nuevas narrativas con heroínas marrones. Salvar un pasado patriarcal. En obras de arte como la inauguración, ensambla hábilmente el primer traje de baile de su hermana, bordados, bordados, un sari y un fragmento arquitectónico para corregir los errores y mostrar cómo las mujeres han abierto el camino para construir un mañana mejor.

Hasta el 26 de agosto

Vista de la instalación de "Beyond Measure" de Thomas J Price en Hauser & Wirth, Los Ángeles Foto: Keith Lubow, cortesía de Thomas J Price y Hauser & Wirth

Desde que causó sensación con su performance Licked de 2001, en la que el artista lamía las paredes de una galería durante un período de tres días, Thomas J. Price ha exhibido principalmente sus esculturas, películas y fotografías en espacios institucionales y de proyectos. El artista británico tuvo una exposición individual en 2016 en la National Portrait Gallery de Londres y actualmente tiene una en el Victoria and Albert Museum, pero ahora que está representado por Hauser & Wirth su trabajo se ha involucrado en una conversación más global, como lo atestigua este espectáculo, titulado "Más allá de la medida", en el espacio del centro de Los Ángeles de la central eléctrica.

Price es mejor conocido por sus esculturas figurativas de gente común fundidas en bronce, aluminio y polímero sintético. Inspirándose en una amalgama de fuentes, incluidos individuos observados, estereotipos mediáticos y estatuas históricas, son versiones ficticias de gente corriente, que el artista considera retratos psicológicos del espectador. Los nuevos bronces, que presentan por primera vez un grupo de esculturas figurativas de gran escala juntas en un solo lugar, creados en parte con escaneos 3D a partir de una convocatoria abierta en Los Ángeles, son más grandes que la vida real, y miden entre 9 y 12 pies de altura. Sus figuras gigantes y realistas se complementan en la exposición con una nueva serie de cabezas de mármol rosa, que fueron talladas digitalmente y terminadas a mano para capturar la imagen de participantes de la vida real con características del banco de imágenes en evolución del artista.

Hasta el 20 de agosto

Vista de la instalación de "I've Known Rivers" de Hank Willis Thomas en Pace Gallery, Los Ángeles Foto: Flying Studio, cortesía de Pace Gallery

Hank Willis Thomas, un artista conceptual que trabaja en una variedad de medios, ha estado exhibiendo su arte en exposiciones individuales en galerías desde 2003, incluso antes de terminar la escuela. Representado por galerías a nivel internacional, se hizo famoso a nivel nacional a principios de este año por The Embrace, un monumento monumental que se ha colocado permanentemente en el Boston Common. Inspirada en una fotografía de archivo del Dr. Martin Luther King, Jr. y su esposa, Coretta Scott King, la elegante escultura de bronce captura su alegre abrazo después de que le concedieran el Premio Nobel de la Paz en 1964.

Su exposición inicial en la galería, “He conocido ríos” (el título se deriva de un poema de Langston Hughes) presenta diez nuevas obras de arte retrorreflectantes a gran escala, que revelan imágenes latentes según la iluminación y la perspectiva del espectador. Presentando dos imágenes distintas que se revelan de una manera por el ambiente y de otra manera por la iluminación del flash, se crean con una combinación de serigrafía y vinilo retrorreflectante impreso con UV. Partiendo de la historia del arte, las piezas 2D del fotógrafo capacitado hacen referencia a las obras modernistas de Romare Bearden, Aaron Douglas, Roy Lichtenstein, Henri Matisse y Malick Sidibé. Nuestro favorito, Escuché el canto del Mississippi, toma como imagen original el famoso blanco y negro de Sidibé de 1963 de una pareja africana bailando como imagen original, compuesto con decenas de imágenes más pequeñas que hacen referencia al colonialismo europeo y al movimiento de derechos civiles estadounidense, que es un testimonio de hasta dónde hemos llegado y cuánto más debe llegar la sociedad.

Hasta el 26 de agosto

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